PERSONA – In the space and in the time by FUKUSHI ITO

Posted by roberto09 | Posted in Arte e suggestioni metropolitane, Critica d'arte e curatele, Eventi | Posted on 24-06-2017

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“Persona”. In the space and in the time is a solo exhibition by Fukushi Ito which is, in many respects, a retrospective. Promoted by the MetaMorfosi Association, the exhibition is being hosted by the MetaMorfosi Art Gallery in Amalfi in the prestigious spaces of the Arsenal of the Amalfi Republic.  Though not an explicit theme the show does possesses an anthropological dimension which has always played an important role in this artist’s work.

Fukushi Ito is a Japanese artist who has lived and worked for over 30 years between Italy and Japan, developing her research and poetic language at a crossroads of different spaces and different times (two homelands, different languages, different symbolic and material contexts), taking on the challenges of contemporaneity, attempting to convey the contradictions of the present through the specific codes and innovations of artistic experimentation in a global context.  For many years, through cycles of works that all bear the same title In the space, in the time, she has devoted herself to an artistic investigation into the relationship between spatiality, temporality, light, shadow, form, energy, matter and the existential condition of man.  In these cycles she has undertaken her own personal exploration of the universe: seeking  conditions for the possible presence of things in space and time and the existential and cultural statute of the human being.  As we have already said on other occasions[1], for Ito “space” and “time” are dimensions of ontological and existential identity that interact with both individual and collective memory, allowing for the acquisition, preservation and re-elaboration of one’s own heritage of values and culture.  Her own artistic background bears witness to this:  starting from traditional Japanese painting, where washi (handmade vegetable fibre paper) and natural pigments provide the material support for gestures conveying the symbolic essence of things through simple and refined strokes.  She took on board the teaching of Japanese tradition: first and foremost the “Rimpa School”, which focuses on the synergy between decoration and painting and the symbolic value of material, and the world of Katsushika Hokusai, featuring a light but powerful manner of representing figures in space, giving birth to concretely pictorial images of the “fluctuating world”.  Upon her arrival in Italy, Fukushi took her distance from this tradition almost immediately.  An artistic journey began where ancient and contemporary materials were combined and integrated: washi and pigments united with photo images, realistic videos, plexiglass, transparent film, neon and LED lights to create complex installations which overcame the visual dimension emerging in spatiality.  Clearly, the artistic relationship between Western and Japanese culture has many 20th  century precedents – consider the explicit Japanese influence in Art Nouveau and Art Deco or the Fluxus movement.  However, the specific point of Fukushi Ito’s research lies in having achieved a particular adaptation/translation of Japanese style and themes into codes and languages that are extremely up-to-date and artistically contemporary.  Moreover, in Ito’s poetic language the themes of temporality and spatiality, the attention paid to light and materials, feature constant anthropological consideration.   It is always implicit though essential, and it emerges explicitly in its full potency in works such as those exhibited here, where the human takes on the role of an “exemplary figure” in an ontological and anthropological state[2].   When we examine it closely, this interest in what is human, understood in the multiple sense of “person”, “character” and “exemplary figure”, capable of incarnating a socio-historical and existential condition and a model of humanity for future generations (leading to representation of the iconic power inherent when tradition encounters innovation), has been present since the outset of our artist’s career.  In 1984 for example, together with other Japanese artists working in Italy and Japan, Fukushi founded “Group Sou” which put on an installation in 1987 for the “Group Art Work” section of an international exhibition organised in conjunction with Manifesta 8.   Entitled “Progetto Persona”, it was an environmental installation of different coloured triangular prisms which took their form from the Japanese ideogram indicating the concept of “person” (人).  This early work with its clear anthropological references, already employed expressive codes that were to become typical of her poetic language, the critic Pierre Restany described it as highly systematic, symbolic and universal[3].  Over the following years, Ito devoted the greater part of her creative energy to investigating the nexus between spatiality and temporality in installations and photographic artworks.  Nonetheless, she never completely abandoned her interest in the human and its exemplarity, it resurfaced in works dedicated to figures who have been fundamental to her for biographic, socio-historical or artistic reasons.   These “exemplary figures” with whom Fukushi has established a dialogue over the decades, have always had a specific socio-historical identity: great creators and innovators capable of taking on and overcoming the traditions they upheld.  Essential metaphors therefore of a given epoch, a social or material condition and crucial discourse on the world and its transformation – whether they be historical figures (e.g. Machiavelli) or contemporary artists or intellectuals (e.g. Gillo Dorfles, Lucio Fontana, Bruno Munari…).  They all stand as emblems of certain specific cultural contexts and have played an important role in her personal and artistic development, moreover, they have left their mark on the cultural and social landscape that defines our globalized age.  In this artistic operation, which gives birth to installations of composite materials and languages,  there is an awareness that it is not only the world which takes form and emerges from the opening of space-time, but it is, above all, individual personalities that have the capacity to lend form to themselves and embody elements of innovation, fracture and the conservation of memory, and cultural, social, artistic and intellectual tradition.  There are many personalities with whom Ito has engaged over the years, they include: Miyamoto Musashi, the great samurai from the Edo period; Korin Ogata, a painter from the Rimpa School; the Ukiyo-e painter Katsushika Hokusai;  novelist Junichiro Tanizaki; Yukio Mishima; Paolo Uccello; Piero della Francesca; Leonardo da Vinci; Niccolò Machiavelli; Lucio Fontana; Bruno Munari; Oriana Fallaci; Gillo Dorfles… figures who are all “exemplary” and “emblematic”, in some way “exceptional” in their historical impact, biographies and output.  They stand as points of reference within a tradition that either stems from their work or else they have reached, in their creativity, an specific apex in expression and achievement.   The iconic nature of these works is obtained through the superimposition of realistic photos of landscapes, the individuals themselves, reproductions of their writings and works; they give rise to “virtual landscapes” that create a “dilated reality”, also thanks to digital images drawn from the web and television.  The saturation and superimposition of images, their projection into the exhibition space, thanks to lights mounted inside polyhedron-shaped installations, creates a sensation of immersion in a contemporaneity inhabited by images and figures that surround our existence and constitute the connective tissue of the globalized world.  As a counterpoint to these iconographic works we have sculptural installations which by juxtaposing points, corners, spheres and geometric figures attempt to render the essence of the figures in an abstract manner, as they are perceived and appear in Ito’s artistic and emotional imagination.



[1]             Cf. R. Mastroianni, In the Space and In the Time, Altralinea edizioni, Florence 2013

[2]             Cf. Ibid

[3]             Cf. P. Restany, Group Sou- Progetto Persona- Esposizione Sou, Galleria Kodama, 1987 and S. Takahashi (edited by), Le mostre di Fukushi Ito-Nello spazio e nel tempo, Museo d’arte della prefettura di Aichi, 1999

PERSONA – In the space and in the time by FUKUSHI ITO

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“Persona”. In the space e in the time è una mostra personale dal carattere retrospettivo di Fukushi Ito, curata da Roberto Mastroianni, promossa dall’Associazione MetaMorfosi e ospitata dal M.A.G.- MetaMorfosi Art Gallery di Amalfi nei prestigiosi spazi degli Antichi Arsenali della Repubblica Amalfitana (9 giugno-12 luglio 2017), attraverso la quale  presenta al pubblico una dimensione antropologica, non esplicitamente tematizzata ma da sempre presente, nel lavoro dell’artista giapponese.

Fukushi Ito è un’artista giapponese che da più di trent’anni vive e lavora tra l’Italia e il Giappone, sviluppando la propria ricerca e la propria poetica all’incrocio tra spazi e tempi diversi (due patrie, diversi linguaggi, diversi contesti simbolici e materiali), accettando la sfida della contemporaneità, cercando di rendere le contraddizioni del presente attraverso i codici e le innovazioni specifiche della sperimentazione artistica in un contesto globalizzato. Da molti anni l’artista si dedica a indagare artisticamente il rapporto tra spazialità, temporalità, luce, ombra, forma, energia, materia e condizione esistenziale dell’uomo, attraverso cicli di opere che portano tutte lo stesso titolo, “In the space, in the time”, attraverso le quali si dedica a una personale esplorazione dell’universo: alla ricerca delle condizioni di possibilità della presenza delle cose nello spazio e nel tempo e dello statuto esistenziale dell’essere umano. Come abbiamo avuto la possibilità di affermare in altre occasioni[1], “spazio” e “tempo” sono, per Ito, dimensioni dell’identità ontologica ed esistenziale e si relazionano alla memoria singolare e collettiva, permettendo di assumere, preservare e rielaborare l’eredità del proprio universo valoriale e culturale. La stessa formazione artistica di Fukushi ne è un esempio. Parte dalla pittura tradizionale giapponese, che fa della washi (la carta di fibre vegetali fatta a mano) e dei pigmenti naturali supporti materici utili ad accogliere un gesto capace di portare a rappresentarzione le cose nella loro essenzialità simbolica con tratti semplici e raffinati, facendo propria la lezione delle scuole tradizionali di pittura giapponese: in primis la “Scuola di Rimpa”, con la sua attenzione alla sinergia tra decorazione e pittura e al valore simbolico del materiale e quella di Katsushika Hokusai, caratterizzata da un modo leggero e potente di rappresentare le figure nello spazio, dando vita ad un immaginario concretamente pittorico del “mondo fluttuante”. Dall’arte tradizionale giapponese Fukushi si distanzia però quasi subito dopo l’arrivo in Italia e inizia un percorso che vede i materiali antichi accostarsi e integrarsi con quelli contemporanei: la washi e i pigmenti si uniscono all’immagine foto e video realistica, al plexiglass e alla pellicola trasparente, alla luce del neon e dei led, al fine di dare vita a complesse installazioni che superano la dimensione visuale emergendo nella spazialità. A ben vedere il rapporto artistico tra cultura occidentale e giapponese ha molti precedenti nel Novecento, basti pensare al nipponismo implicito dell’Art Nouveau e del Liberty o al Fluxus. La specificità della ricerca artistica di Fukushi Ito è però quella di aver realizzato una particolare forma di adattamento/traduzione dello stile e delle tematiche giapponesi in codici e linguaggi estremamente attuali e artisticamente contemporanei. I temi della temporalità e della spazialità, l’attenzione per la luce e i materiali si caratterizzano, inoltre, nella poetica di Ito per una costante riflessione antropologica, sempre implicita ma essenziale, che emerge esplicitamente in tutta la propria potenza in opere come quelle in mostra, in cui l’umano assume la funzione di “figura esemplare” di una condizione ontologica e antropologica[2]. Questo interesse per l’umano nella valenza multipla di “persona”, “personaggio”, “figura esemplare”, capace di incarnare una condizione socio-storica ed esistenziale e diventare modello di umanità per le generazioni future, portando a rappresentazione la potenza iconica dell’incontro tra tradizione e innovazione, è a ben vedere presente sin dagli esordi della carriera dell’artista. Nel 1984, ad esempio, Fukushi diede vita, insieme ad altri artisti giapponesi che operavano in Italia e Giappone, al “Group Sou” che nel 1987 realizzò un’installazione collettiva per la sezione “Group Art Work” di un’esposizione internazionale organizzata in sinergia con Manifesta 8. L’opera collettiva dal titolo “Progetto Persona” si presentava come un’installazione ambientale di prismi triangolari di diversi colori, che riprendevano la forma dell’ideogramma giapponese che indica il concetto di “persona” (人). Fu questa un’opera giovanile dal chiaro riferimento antropologico che utilizzava già i codici espressivi, che poi sarebbero diventati tipici della sua poetica, e che nelle parole di Pierre Restany si presentava come altamente sistematica, simbolica e universale[3]. Negli anni successivi, Ito dedicò la maggioranza delle sue forze creative a indagare il nesso spazialità e temporalità, attraverso opere di carattere installativo e fotografico, non abbandonando però mai definitivamente l’interesse per l’umano e la propria esemplarità, che si materializzava nella realizzazione di opere dedicate a personaggi per lei fondamentali per motivi biografici o socio-storici o artistici. Queste “figure esemplari”, con cui Fukushi ha imbastito un dialogo in questi decenni, sono sempre rappresentativi di una specificità socio-storica, sono sempre grandi creatori e innovatori capaci di assumere e superare la tradizione di cui sono portatori, diventando metafora essenziale di una certa epoca e di una certa condizione sociale, materiale e di discorsi determinati sul mondo e le sue trasformazioni: siano essi personaggi storici (ex. Macchiavelli) o artisti o intellettuali contemporanei (ex. Gillo Dorfles, Lucio Fontana, Bruno Munari…). Tutti quanti sono emblemi di alcune specificità culturali e sono stati importanti per la formazione artistica e biografica dell’artista e, nello stesso tempo, hanno segnato l’orizzonte culturale e sociale di riferimento di questa nostra epoca globalizzata. Vi è in questa operazione artistica, che ha prodotto e produce installazioni di materiali e linguaggi compositi, la consapevolezza che non sia solo il mondo a prendere forma ed emergere dall’apertura dello spazio-tempo, ma che siano soprattutto le personalità individuali ad essere capaci di dare forma a se stesse e al proprio mondo, incarnando elementi di innovazione, rottura e conservazione della memoria e della tradizione culturale, sociale, artistica e intellettuale. I personaggi con cui Ito si è confrontata negli anni sono molti, tra gli altri: il grande samurai dell’epoca Edo, Miyamoto Musashi; Korin Ogata, pittore della scuola Rimpa; il pittore di Ukiyoe, Katsushika Hokusai; il romanziere Jun’ichirō Tanizaki; Yukio Mishima; Paolo Uccello; Piero della Francesca; Leonardo da vinci, Niccolò Macchiavelli, Lucio Fontana; Bruno Munari; Oriana Fallaci; Gillo Dorfles… Tutti personaggi che si presentano come “esemplari” ed “emblematici” e in qualche modo “eccezionali” nella propria storicità, biografia e produzione, ponendosi come punti di riferimento per una tradizione, che da loro prende il via o che in loro trova elevata espressione e compimento.  Il carattere iconico delle opere viene ottenuto sovrapponendo immagini foto realistiche di paesaggi, dei personaggi stessi, riproduzioni dei loro scritti e delle loro opere dando vita ad un “paesaggio virtuale” che produce una “realtà dilatata”, anche grazie ad immagini digitali estratte dal mondo del web e della comunicazione televisiva. La saturazione e la sovrapposizione delle immagini e la loro proiezione nell’ambiente espositivo, grazie all’uso della luce montata all’interno delle installazioni a forma di poliedro, restituisce la sensazione immersiva di una contemporaneità popolata di immagini e figure che circondano la nostra esistenza e formano il tessuto connettivo del mondo globalizzato. A queste opere dal valore iconografico fanno da contraltare le installazioni scultoree che articolando spigoli, sfere e figure geometriche cercano di restituire in modo astratto l’essenza dei personaggi così come essi sono percepiti e rappresentati nell’immaginario artistico ed emotivo di Ito.



[1] Cfr. R. Mastroianni, In the Space and In the Time, Altralinea edizioni, Firenze 2013

[2] Cfr. Ibidem

[3] Cfr. P. Restany, Group Sou- Progetto Persona- Esposizione Sou, Galleria Kodama, 1987 e S. Takahashi (a cura di), Le mostre di Fukushi Ito-Nello spazio e nel tempo, Museo d’arte della prefettura di Aichi, 1999

EVOLUTIONARY PATTERNS Enrica Borghi – Isabella Nazzarri

Posted by roberto09 | Posted in Arte e suggestioni metropolitane, Critica d'arte e curatele, Dicono di me..., Dove sono - Appuntamenti, Eventi | Posted on 15-05-2017

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EVOLUTIONARY PATTERNS Enrica Borghi / Isabella Nazzarri

a cura di Roberto Mastroianni

3 febbraio – 1 aprile 2017

 

La galleria Opere Scelte ha il piacere di invitarvi, giovedì 2 febbraio alle ore 18.30, in via Matteo Pescatore 11/D, all’inaugurazione della mostra, Evolutionary patterns.

 

L’esposizione mette in dialogo le opere delle due artiste che come biologhe sembrano studiare tutto ciò che riguarda la vita e gli organismi viventi, la loro struttura, l’evoluzione, la distribuzione…

Sia Enrica Borghi (Novara, 1966) sia Isabella Nazzarri (Livorno, 1987), con esperienze e approcci alla ricerca artistica molto differenti, prendono ispirazione da forme antropomorfe, una attraverso la materia scultorea, l’altra con la bidimensionalità assoluta dell’acquerello.

Enrica Borghi propone lavori storici e nuovi che presentano i temi principali da lei indagati: l’utilizzo di materiali riciclati non biodegradabili, la creazione di oggetti della quotidianità, ma anche ornamenti preziosi e abiti. Destreggiandosi nella spirale del consumismo mostra le alterazioni dei materiali polimeri che perdono l’asetticità che li contraddistingue acquisendo una forte umanità. Tra le ultime produzioni, per la prima volta l’artista inserisce l’elemento naturale: frammenti di scarti e graniglie, levigati e riconsegnati dal mare, portando ancora una volta l’attenzione sui cicli vitali, l’ecologia e la natura.

Nel contempo le opere di Nazzarri ricordano delle surreali visioni microscopiche di un mondo in continuo movimento, ma anche funzioni decorative. Le figure, originate da stati mentali e suggestioni emotive, si materializzano sulle carte e sulle tele in maniera apparentemente caotica, dettata in realtà da una chiara struttura e un forte dinamismo, come negli organismi viventi. Forme astratte o antropomorfe connesse tra loro, come a formare un’unica ampia visione d’insieme, capace di alterare il nostro punto di vista.

La mostra rimarrà allestita fino a sabato 4 marzo 2017.

COMUNICATO STAMPA (Clicca qui)

TESTO CRITICO ( Clicca qui)

FLASHBACK_Artist curated talks

Posted by roberto09 | Posted in Critica d'arte e curatele, Dicono di me..., Dove sono - Appuntamenti, Eventi, Teoria e critica filosofica | Posted on 15-05-2017

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FLASHBACK_Artist curated talks

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FLASHBACK_Artist Curated Talks

VENERDì 4 | SABATO 5 | DOMENICA 6 | novembre 2016 | ORE 17.00
@PALA ALPITOUR | TORINO

L’estetica senza etica è cosmetica” Ulay

Nel 2016, per la quarta edizione di FLASHBACK, si inaugura un nuovo progetto destinato a evolversi e ripetersi nel corso delle prossime edizioni: INCONTRI CURATI DA ARTISTI | ARTISTS CURATED TALKS.
Incontri, discussioni, confronti che coinvolgono forma e contenuto, sfera intellettuale, sensoriale ed estetica.

OGGETTO DI DISCUSSIONE è un progetto di incontri, di discussioni estetiche pensati dall’artista Giada Pucci per FLASHBACK_Talks. Con sedute informali, video e sonoro in diffusione Il progetto si pone come un tentativo di scardinare l’idea di conferenza tradizionale, lo spazio che accoglie l’incontro diviene luogo estetico, esperienziale; luogo quindi mentale, astratto visivamente, luogo intimo e di discussione dove il pensiero diventa elemento sonoro dell’esperienza

VENERDì 4 NOVEMBRE ORE 17

ARTE E RELIGIONE. Dall’arte antica a quella contemporanea.
Come la religione ha influenzato la ricerca artistica nel corso dei secoli sino alla contemporaneità. L’occidente e oriente a confronto.
Roberto Mastroianni (filosofo/critico d’arte), Maurizio Cilli (artista/architetto), Andrea Longhi (Storico dell’Architettura), Carola Benedetto (indologa)

SABATO 5 NOVEMBRE ORE 17

ARTE, ETICA E MORALE Il valore sociale dell’opera.
Dalle origini alla contemporaneità. Come cambia l’arte a seconda del periodo storico/politico? L’artista dovrebbe essere portatore di un’etica?

Roberto Mastroianni (filosofo/critico d’arte), Maurizio Cilli (artista/architetto), Andrea Ciommiento (regista e creatore scenico), Irene Pittatore (artista), Tea Taramino (artista), Giusi Venuti (filosofa).

DOMENICA 6 NOVEMBRE ORE 17

PENSIERO UMANISTICO E PENSIERO SCIENTIFICO. Può esistere una economia culturale capace di essere significativa per un paese?
Gli studi scelti dalle società contemporanee sono sempre più di educazione scientifica piuttosto che classica. La disponibilità di posti di lavoro premia maggiormente gli studenti usciti da studi scientifici piuttosto che quelli umanistici. Quali sono le conseguenze nella formazione d’individui che devono confrontarsi con una società complessa e multiculturale. Cittadini o semplici lavoratori?

Roberto Mastroianni (filosofo/critico d’arte), Maurizio Cilli (artista/architetto), Giovanni Leghissa (filosofo), Carlo Capello (antropologo), Dario Padovani (sociologo).

VORREI DIRTI TANTE COSE…

Posted by roberto09 | Posted in Arte e suggestioni metropolitane, Critica d'arte e curatele, Dicono di me..., Eventi | Posted on 15-05-2017

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InGenio Arte Contemporanea – Dal 11 al 26 NOVEMBRE – Inaugurazione venerdì 11 novembre ore 17.00

VORREI DIRTI TANTE COSE… – A cura di Ornella Rovera – Testo critico di Roberto Mastroianni

Sculture e fotografia come esiti delle riflessioni sull’esperienza, fatta da un gruppo di giovani artisti, nell’ambito della mostra Fantasmi dello spettro dedicata all’autismo che si è tenuta, nel mese di aprile 2016, a Palazzo Barolo e a InGenio Arte Contemporanea.

Opere degli studenti dell’Accademia Albertina di Belle Arti di Torino, che hanno collaborato all’evento come mediatori culturali o hanno tenuto laboratori rivolti al pubblico.

Coordinamento dei lavori a cura dall’artista Ornella Rovera, Docente di Scultura.

Sono previste attività interattive con il pubblico a cura degli studenti.

 

InGenio arte contemporanea
C.so san Maurizio 14/E

Apertura su richiesta rivolgendosi in (open on request in) Via Montebello, 28/B

 

InGenio bottega d’arti e antichi mestieri
Via Montebello, 28/B

Apertura dal martedì al sabato dalle 10.00 alle 19.00 orario continuato
opening from Tuesday to Saturday, 10.00 am to 7.00 pm.

 

FiloArX di Giustino Caposciutti

Posted by roberto09 | Posted in Arte e suggestioni metropolitane, Eventi | Posted on 15-05-2017

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InGenio bottega d’arti e antichi mestieri
InGenio Arte Contemporanea
Venerdì 16 settembre 2016 dalle ore 17.00 alle ore 19.00
avvio della performance di arte partecipata: FiloArX di Giustino Caposciutti

Palazzo Barolo
Sabato 17 settembre 2016 dalle ore 15.30 alle ore 17.00
proseguimento di FiloArX di Giustino Caposciutti.
Contributi critici di Roberto Mastroianni.

FiloArX è un grande intreccio di fili costruito dall’artista attraverso un laboratorio dove ogni persona presente colora e firma un filo che poi viene tessuto insieme a tutti gli altri dando luogo ad opere che sono la “fotografia” di un momento storico di una comunità, di una città, di un gruppo di persone: grandi e piccini. Dal 1993 circa 26.000 persone hanno partecipato a FiloArX, in Italia e all’estero.

 

FiloArX è anche una storia intessuta, nel tempo, con la Città dall’artista attraverso un’opera, allo stesso tempo Singolare e Plurale, fatta di fili visibili e invisibili che, simbolicamente e materialmente, uniscono luoghi e persone per un’arte come motore di cittadinanza attiva.

La postazione attrezzata di FiloArX rimarrà dal 18 SETTEMBRE al 9 OTTOBRE 2016 in una zona dell’atrio come laboratorio fruibile anche in autogestione dai visitatori del Palazzo.

Sarà possibile incontrare l’artista di martedì e giovedì mattina e di mercoledì e venerdì pomeriggio in orario di apertura del Palazzo.

 

evento che si svolge durante la mostra:
TRAMARE. Di filo in segno e di luogo in logo.
A cura di Alessia Panfili e Tea Taramino
con interventi del Torino Mad Pride

Hiroaki Asahara – Le forme del silenzio

Posted by roberto09 | Posted in Arte e suggestioni metropolitane, Critica d'arte e curatele, Dove sono - Appuntamenti, Eventi | Posted on 15-05-2017

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Dal 17 giugno al 10 luglio 2016

HIROAKI ASAHARA: LE FORME DEL SILENZIO

A cura di Roberto Mastroianni

InGenio Arte Contemporanea e Palazzo Barolo, cantine

 

Inaugurazione venerdì 17 giugno

 

dalle ore 17. 00 alle 19.00, InGenio Arte Contemporanea

 

dalle 18.00 alle 20.00, Palazzo Barolo

Roberto Mastroianni alle 18.30 introdurrà il pubblico al lavoro dell’artista

 

Una piacevole passeggiata di 20’ nel centro di Torino collega i due luoghi.

 

In mostra una selezione dalla ricerca del Maestro dagli anni ‘70 ad oggi: pitture ad olio e opere in carta a mano, sculture luminose e non, quadri e rilievi. Inoltre, scenografie e opere realizzate con le scuole e i centri diurni.

Una collaborazione con la galleria Caracol, Ki-Gallery e l’associazione culturale Yoshin Ryu.

 

Una retrospettiva dedicata all’artista giapponese Hiroaki Asahara, mancato lo scorso anno, che – accanto all’intensa attività artistica personale – ha collaborato con la Città di Torino a diversi progetti: Arte Plurale, InGenio bottega d’arti e antichi mestieri, il Laboratorio La Galleria e altre realtà istituzionali pubbliche e private come Mus-e formando insegnanti, operatori, studenti e persone con disabilità alle tecniche della fabbricazione artigianale della carta a mano.

 

La mostra fa parte della rassegna Singolare e Plurale, una collaborazione fra la Direzione Politiche Sociali e Rapporti con le Aziende Sanitarie della Città di Torino e l’Opera Barolo per la promozione di iniziative culturali e progetti di ricerca che abbiano al centro le arti intese come motore di cambiamento, crescita personale, salute pubblica e welfare sociale. A cura di Tea Taramino.

Fukushi Ito – Mishima

Posted by roberto09 | Posted in Arte e suggestioni metropolitane, Critica d'arte e curatele, Dove sono - Appuntamenti, Eventi | Posted on 15-05-2017

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È una mostra personale a carattere retrospettivo di Fukushi Ito con testo critico di Roberto Mastroianni. Presentata alla Fusion Art Gallery di Torino dal 30 ottobre al 25 novembre 2015, intende rendere omaggio alla figura di Yukio Mishima nel quarantacinquesimo anniversario della sua morte.

Attraverso una selezione di più di 50 opere realizzate tra il 2010 e il 2015, Ito dà forma alla figura di uno dei più grandi scrittori del Novecento, alle sue grandi contraddizioni e intuizioni estetiche, sottolineando il valore critico dell’opera letteraria e della vita di Mishima per la cultura giapponese e la società globale contemporanea. Si assiste quindi a un dialogo differito, nel tempo e nello spazio, tra due artisti giapponesi, che hanno entrambi tentato di unire nella loro poetica e nella loro ricerca artistica i linguaggi e i temi della cultura dell’occidente europeo con quelli dell’estremo oriente asiatico. Non solo una mostra celebrativa, ma un percorso di riflessione e ricerca che ha portato Ito ad assumere e interpretare i temi sollevati da Mishima, nella sua vita e con la sua morte, rendendoli opere dal grande impatto emotivo e immaginario dalla raffinata delicatezza visiva, tipica di un’arte che si pone come ponte tra oriente e occidente.
Fukushi Ito | MISHIMA
a cura di Roberto Mastroianni

30.10 – 25.11.2015
Inaugurazione venerdì 30 ottobre | ore 19 – 22
Mar – Sab // 15 – 19 e su appuntamento

EVENTI SPECIALI

Mercoledì 25 Novembre / 19 – 20
MISHIMA
Presentazione del libro
a cura di Roberto Mastroianni
con Fukushi Ito

Musica di Sachito Hata

in collaborazione con Altralinea Edizioni

RINASCIMENTI. MICHELANGELO BUONARROTI INCONTRA RENZO PIANO, PIER PAOLO MAGGIORA, KENGO KUMA, CLAUDIO SILVESTRIN, CINO ZUCCHI

Posted by roberto09 | Posted in Arte e suggestioni metropolitane, Critica d'arte e curatele, Eventi | Posted on 15-04-2017

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Dal 20 Novembre 2015 al 28 Febbraio 2016

SETTIMO TORINESE | TORINO

LUOGO: Biblioteca Multimediale Archimede

CURATORI: Roberto Mastroianni

ENTI PROMOTORI:

  • Fondazione ECM – Esperienze di Cultura Metropolitana di Settimo Torinese
  • Con la supervisione scientifica dell’Associazione MetaMorfosi di Roma e della Fondazione Casa Buonarroti di Firenze

 

COSTO DEL BIGLIETTO: intero € 8, ridotto € 5

TELEFONO PER INFORMAZIONI: +39 011 8028588 /378 /525

E-MAIL INFO: eventi.archimede@fondazione-ecm.it

SITO UFFICIALE: http://www.mostramichelangelo.it/

 

COMUNICATO STAMPA: Sono le periferie la città del futuro, quella dove si concentra l’energia umana e quella che lasceremo in eredità ai nostri figli. C’è bisogno di una gigantesca opera di rammendo. (Renzo Piano)Si dipinge col cervello et non con le mani. (Michelangelo Buonarroti)Arte rinascimentale, architettura, innovazione, periferie: ecco gli elementi della mostra Rinascimenti, che mette in relazione e dialogo le opere del grande Maestro del Rinascimento italiano con l’architettura contemporanea, attorno al progetto di trasformazione territoriale denominato “Laguna Verde”. Un dialogo tra antico e contemporaneo intorno all’idea dei rinascimenti che l’arte e l’architettura italiana, in passato come oggi, producono e rendono possibili in una prospettiva di rigenerazione urbana.

Per la prima volta saranno esposti 14 disegni di architettura di Michelangelo, provenienti da Casa Buonarroti di Firenze, in dialogo con i progetti di architetti contemporanei. Lavori che dimostrano la feconda fantasia creatrice del Maestro e che testimoniano la sua attività di architetto dalla giovinezza fino all’estrema vecchiaia. La libertà e forza d’invenzione, la varietà morfologica degli elementi decorativi, il turgido plasticismo delle forme e il loro contrasto dinamico: tutti elementi che contribuirono in maniera rilevante al rinnovamento dell’immagine urbana di Roma.

Insieme ai disegni di Michelangelo architetto, verranno infatti esposti i progetti e lavori di 5 architetti di livello internazionale che hanno, ognuno in modo diverso e con le sue specifiche caratteristiche, inciso sulla trasformazione del tessuto neo e post industriale di Settimo Torinese  e dell’area nord-est di Torino. A partire da Renzo Piano, che ha progettato l’ampliamento della fabbrica Pirelli, costruendo il nuovo polo industriale sull’area di via Brescia attraverso l’affiancamento alla struttura esistente di nuove unità produttive, con il conseguente ridisegno dei servizi generali e della logica distributiva interna; Cino Zucchi, progettista e direttore dei lavori della nuova sede direzionale della Lavazza a Torino e vincitore del concorso di progettazione per la realizzazione di un primo lotto residenziale e terziario nell’area di Laguna Verde (concorso indetto nel 2013 da Pirelli e città di Settimo Torinese); Kengo Kuma, l’architetto nipponico che ha curato nel 2013 un workshop su Laguna Verde con una selezione di studenti del Politecnico di Torino e dell’Università di Tokyo; Pier Paolo Maggiora, che ha progettato e redatto il primo master plan di Laguna Verde, poi recepito dal Piano Regolatore della città di Settimo Torinese; per finire con Claudio Silvestrin, progettista del Torino Outlet (Fashion) Village, grande polo del lusso che sorgerà in Laguna Verde.

L’occasione della mostra è proprio la partenza del progetto Laguna Verde – interventi di valorizzazione architettonica nell’area tra Torino e Settimo Torinese, 850.000 mq di territorio che ricuciono la periferia nord-est dell’area metropolitana con interventi di edilizia privata di alta qualità, sostenibile e innovativa – con l’apertura del cantiere che porterà entro la primavera del 2017 all’inaugurazione del Fashion Mall targato Gruppo Stilo, progettato dall’architetto Claudio Silvestrin, orientato ad ospitare alcune delle più importanti griffes italiane, tra cui uno store di Armani.

Come spiega Aldo Corgiat, Presidente della Fondazione ECM – Esperienze di Cultura Metropolitana di Settimo Torinese, “la mostra RINASCIMENTI ci è sembrata un’opportunità da non perdere: l’occasione per rilanciare l’immagine e le ambizioni progettuali di Laguna Verde, abbinandole all’opera di  uno dei più grandi del Rinascimento. La mostra vuole riaffermare il valore della cultura come leva del cambiamento e motore e generatore di energia da cui partire per affermare, anche simbolicamente, se mai ce ne fosse bisogno, l’esigenza di qualità e la sfida per un nuovo “rinascimento” possibile”.

La mostra è ospitata negli spazi della Biblioteca multimediale Archimede di Settimo Torinese, su una superficie di 1500 mq. Al centro dell’esposizione i 14 disegni di Michelangelo architetto, accompagnati dalle ricostruzioni multimediali delle architetture. Tutto intorno, una serie di “isole” ben definite, a simboleggiare il coinvolgimento nel progetto Laguna Verde degli architetti che espongono. Un’area a parte è dedicata a Laguna Verde, con i lavori dell’architetto Pier Paolo Maggiora e, a rotazione, il coinvolgimento di giovani architetti che a diverso titolo sono stati coinvolti nelle fasi redazionali del master plan iniziale e nei passaggi urbanistici e realizzativi successivi. All’’architetto Claudio Silvestrin sarà dedicato uno spazio ulteriore con la presentazione del progetto del Fashion Mall. 32.000 mq su un unico livello a cielo aperto, una galleria di negozi per una lunghezza di 290 metri con soffitti che si innalzano fino a 6 metri di altezza. E una guglia altissima, 85 metri, che emerge tra gli alberi che velano la lunghissima facciata. Una guglia ponte e metafora tra il cielo e la terra, icona e cerniera tra i territori circostanti.

La mostra RINASCIMENTI, attraverso le opere in mostra e un progetto espositivo innovatore,vuole dunque mettere l’accento sul territorio e le sue trasformazioni, in un’ottica di rivalorizzazione urbanistica di grande attualità, che potrebbe essere definita con le categorie di Renzo Piano, un “rammendo delle periferie”. Laguna Verde rappresenta infatti uno dei maggiori progetti di riqualificazione e rigenerazione urbana dell’area metropolitana torinese, e riguarda una città, Settimo, che ha investito in innovazione e sperimentazione in un continuo dialogo tra istituzioni ed imprese. Scelta che ha permesso alla città di crescere, cambiare, assumere una nuova immagine; di rigenerare gli spazi, creando luoghi nuovi.

Come raccontano Fabrizio Puppo e Elena Piastra,  Sindaco e Vice Sindaco di Settimo, “Le opere di Michelangelo diventano simbolo di una città che si ripensa e che pensa al proprio futuro, e soprattutto al nuovo centro che diventerà Laguna Verde e che rappresenta uno dei maggiori progetti di riqualificazione e rigenerazione urbana del Nord Italia. La mostra è un’occasione importante di dialogo tra la cultura, l’architettura e lo sforzo di immaginare una città che cambia in funzione di nuovi servizi e di una scala che non può che essere metropolitana e inter-regionale”.

Non solo. La mostra è anche il prologo di un progetto più grande, che vuole collocare l’offerta culturale di qualità al centro di Laguna Verde: sarà un luogo di aggregazione, crogiolo di innovazione, simbolo di memoria industriale che continua a fare cultura perché si rinnova e si salda con la capacità di concepire nuove frontiere della moderna impresa globale.

Vogliamo organizzarlo come luogo di interculturalità e dialogo, ponte di convivenza tra le nuove culture urbane –continua Aldo Corgiat - Punto di riferimento nella robusta e vivace rete già presente nella nuova città metropolitana, elemento di relazione forte ed irrinunciabile tra le nuove funzioni che troveranno spazio in Laguna Verde e i centri urbani di Settimo, Torino e gli altri comuni del Nord-Est. Vetrina per l’offerta culturale e artistica metropolitana, collocata in un luogo per il quale è prevista un’alta capacità di attrazione inter-regionale e, si spera, un’altissima densità di presenza di consumatori”.

La mostra Rinascimenti apre al pubblico dal 21 novembre al 28 febbraio 2016. Durante il periodo di apertura la mostra verrà affiancata da una serie di eventi collaterali, organizzati in collaborazione con enti universitari e di ricerca. Si partirà con degli incontri scientifici e divulgativi sul rapporto  architettura-urbanistica e territorio, arte contemporanea e rapporto industria/sviluppo territoriale e rigenerazione urbana. Giornate di studio e riflessione organizzate in workshop entreranno dentro i temi della mostra – ruolo strategico periferie, rigenerazione urbana e riscrittura del tessuto metropolitano, architettura e storia industriale del territorio, arte, sperimentazione e cultura nella progettazione e trasformazione del tessuto metropolitano. Per finire con “Rinascimenti: la cultura come leva per la rigenerazione del territorio – una proposta innovativa per il futuro di Laguna Verde”.

“La priorità, ontologica oltre che logica, del progettare - spiega Roberto Mastroianni, curatore della mostra - è infatti quell’attitudine specificatamente umana che trova sintesi altissima ed emblematica nell’architettura michelangiolesca, presentandosi come un eminente precedente storico e in qualche modo fondativo dell’architettura moderna . Attitudine questa condivisa da tutti gli architetti in mostra e che fa di essi delle figure esemplari di quella pratica contemporanea di riscrittura del testo urbano, produttrice di rinascita sociale e rifunzionalizzazione degli spazi metropolitani. La società contemporanea, insomma, rifiuta più o meno consapevolmente di cedere all’avanzata del “deserto” e cosciente, in qualche modo, che deve “progettare” il proprio futuro prima di “essere progettata” dagli eventi e dalle evoluzioni socio-storiche, trova negli architetti e nell’architettura uno strumento utile a produrre forme di “rinascimento” sociale e ambientale”.

La mostra ha il patrocinio di Regione Piemonte, Città Metropolitana di Torino, Comune di Settimo Torinese, Unione NET ed è realizzata in collaborazione con la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, l’Ordine degli Architetti di Torino, ArteMagazine, FlashBack, Multiplay, CirCE – Centro Interdipartimentale di Ricerca sulla Comunicazione, Università di Torino, Unesco Chair in Sustainable Development and Territory Management, Università di Torino.

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Arte, Spiritualità, Innovazione e Tradizione alle porte del Circolo Polare Artico

Posted by roberto09 | Posted in Arte e suggestioni metropolitane, Dicono di me..., Dove sono - Appuntamenti, Eventi, Teoria e critica filosofica | Posted on 15-04-2017

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Michelangelo Pistoletto porta il Terzo Paradiso in Finlandia, alle porte del Circolo Polare Artico.

In particolare due appuntamenti pubblici in programma lunedì 23 e martedì 24 marzo.

Rovaniemi, Arktikum Centro di cultura
Lunedi 23 marzo 2015, ore 14

Tavola rotonda: “The Art and Spirituality as a Part of the Arctic Debate

Michelangelo Pistoletto, Prof. Pentikäinen, Prof. Jan Born (Universitä di Versailles) e Prof. Roberto Mastroianni
Ospiti: Sindaco di Rovaniemi, rappresentanti dell’Università della Lapponia, Parlamentari della Lapponia
L’incontro “The Art and Spirituality as a Part of the Arctic Debate” sarà incentrato sul tema del Terzo Paradiso ideato da Michelangelo Pistoletto e in particolare sul messaggio che auspica un nuovo indirizzo per scienza, tecnologia, arte, cultura e politica in direzione del bene comune, dell’etica e dei valori naturali. L’Università della Lapponia (University of Lapland) ritorna ad essere un importante centro d’incontri internazionale, come quando nel 1989 diede vita a “Spirit of Rovaniemi” all’Arctic Council.  Dall’University of Lapland opera la rete mondiale delle Arctic Universities cui anche l’Italia intende partecipare. Il popolo Sami è l’unica popolazione di nativi riconosciuta dall’Unione Europea; Sajos, il centro culturale dei Sami, svolge un ruolo fondamentale nel preservare e arricchire la loro cultura e il loro linguaggio, così come il Parlamento Sami.
Martedi 24 marzo 2015, ore 13.00 – 13.45

Conferenza stampa “Innovation needs (he)arts” – high tech with high touch in Third Paradise of Michelangelo Pistoletto”

Intervento del Ricercatore sul futuro Mika Aaltonen (Universitä di Aalto), discorso di Pistoletto in dialogo con Rossana Becarelli, Krista Mikkola e Roberto Mastroianni e domande dei giornalisti.
ore 15.30
Tavola rotonda aperta al pubblico ”Innovation needs (he)arts” – high tech with high touch in Third Paradise of Michelangelo Pistoletto”.
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