“La collezione di Palazzo Lascaris”. Opere scelte.

Posted by roberto09 | Posted in Arte e suggestioni metropolitane, Critica d'arte e curatele, Dove sono - Appuntamenti, Eventi | Posted on 05-10-2017

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Torino – Palazzo Lascaris – Via Alfieri, 15

“LA COLLEZIONE DI PALAZZO LASCARIS”

Opere scelte

a cura di

Barbara Colombotto Rosso

Alex Donadio 

Roberto Mastroianni

 

 

dal 6 al 16 ottobre 2017

Torino – Palazzo Lascaris – Via Alfieri, 15

 

PERSONA – In the space and in the time by FUKUSHI ITO

Posted by roberto09 | Posted in Arte e suggestioni metropolitane, Critica d'arte e curatele, Eventi | Posted on 24-06-2017

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“Persona”. In the space and in the time is a solo exhibition by Fukushi Ito which is, in many respects, a retrospective. Promoted by the MetaMorfosi Association, the exhibition is being hosted by the MetaMorfosi Art Gallery in Amalfi in the prestigious spaces of the Arsenal of the Amalfi Republic.  Though not an explicit theme the show does possesses an anthropological dimension which has always played an important role in this artist’s work.

Fukushi Ito is a Japanese artist who has lived and worked for over 30 years between Italy and Japan, developing her research and poetic language at a crossroads of different spaces and different times (two homelands, different languages, different symbolic and material contexts), taking on the challenges of contemporaneity, attempting to convey the contradictions of the present through the specific codes and innovations of artistic experimentation in a global context.  For many years, through cycles of works that all bear the same title In the space, in the time, she has devoted herself to an artistic investigation into the relationship between spatiality, temporality, light, shadow, form, energy, matter and the existential condition of man.  In these cycles she has undertaken her own personal exploration of the universe: seeking  conditions for the possible presence of things in space and time and the existential and cultural statute of the human being.  As we have already said on other occasions[1], for Ito “space” and “time” are dimensions of ontological and existential identity that interact with both individual and collective memory, allowing for the acquisition, preservation and re-elaboration of one’s own heritage of values and culture.  Her own artistic background bears witness to this:  starting from traditional Japanese painting, where washi (handmade vegetable fibre paper) and natural pigments provide the material support for gestures conveying the symbolic essence of things through simple and refined strokes.  She took on board the teaching of Japanese tradition: first and foremost the “Rimpa School”, which focuses on the synergy between decoration and painting and the symbolic value of material, and the world of Katsushika Hokusai, featuring a light but powerful manner of representing figures in space, giving birth to concretely pictorial images of the “fluctuating world”.  Upon her arrival in Italy, Fukushi took her distance from this tradition almost immediately.  An artistic journey began where ancient and contemporary materials were combined and integrated: washi and pigments united with photo images, realistic videos, plexiglass, transparent film, neon and LED lights to create complex installations which overcame the visual dimension emerging in spatiality.  Clearly, the artistic relationship between Western and Japanese culture has many 20th  century precedents – consider the explicit Japanese influence in Art Nouveau and Art Deco or the Fluxus movement.  However, the specific point of Fukushi Ito’s research lies in having achieved a particular adaptation/translation of Japanese style and themes into codes and languages that are extremely up-to-date and artistically contemporary.  Moreover, in Ito’s poetic language the themes of temporality and spatiality, the attention paid to light and materials, feature constant anthropological consideration.   It is always implicit though essential, and it emerges explicitly in its full potency in works such as those exhibited here, where the human takes on the role of an “exemplary figure” in an ontological and anthropological state[2].   When we examine it closely, this interest in what is human, understood in the multiple sense of “person”, “character” and “exemplary figure”, capable of incarnating a socio-historical and existential condition and a model of humanity for future generations (leading to representation of the iconic power inherent when tradition encounters innovation), has been present since the outset of our artist’s career.  In 1984 for example, together with other Japanese artists working in Italy and Japan, Fukushi founded “Group Sou” which put on an installation in 1987 for the “Group Art Work” section of an international exhibition organised in conjunction with Manifesta 8.   Entitled “Progetto Persona”, it was an environmental installation of different coloured triangular prisms which took their form from the Japanese ideogram indicating the concept of “person” (人).  This early work with its clear anthropological references, already employed expressive codes that were to become typical of her poetic language, the critic Pierre Restany described it as highly systematic, symbolic and universal[3].  Over the following years, Ito devoted the greater part of her creative energy to investigating the nexus between spatiality and temporality in installations and photographic artworks.  Nonetheless, she never completely abandoned her interest in the human and its exemplarity, it resurfaced in works dedicated to figures who have been fundamental to her for biographic, socio-historical or artistic reasons.   These “exemplary figures” with whom Fukushi has established a dialogue over the decades, have always had a specific socio-historical identity: great creators and innovators capable of taking on and overcoming the traditions they upheld.  Essential metaphors therefore of a given epoch, a social or material condition and crucial discourse on the world and its transformation – whether they be historical figures (e.g. Machiavelli) or contemporary artists or intellectuals (e.g. Gillo Dorfles, Lucio Fontana, Bruno Munari…).  They all stand as emblems of certain specific cultural contexts and have played an important role in her personal and artistic development, moreover, they have left their mark on the cultural and social landscape that defines our globalized age.  In this artistic operation, which gives birth to installations of composite materials and languages,  there is an awareness that it is not only the world which takes form and emerges from the opening of space-time, but it is, above all, individual personalities that have the capacity to lend form to themselves and embody elements of innovation, fracture and the conservation of memory, and cultural, social, artistic and intellectual tradition.  There are many personalities with whom Ito has engaged over the years, they include: Miyamoto Musashi, the great samurai from the Edo period; Korin Ogata, a painter from the Rimpa School; the Ukiyo-e painter Katsushika Hokusai;  novelist Junichiro Tanizaki; Yukio Mishima; Paolo Uccello; Piero della Francesca; Leonardo da Vinci; Niccolò Machiavelli; Lucio Fontana; Bruno Munari; Oriana Fallaci; Gillo Dorfles… figures who are all “exemplary” and “emblematic”, in some way “exceptional” in their historical impact, biographies and output.  They stand as points of reference within a tradition that either stems from their work or else they have reached, in their creativity, an specific apex in expression and achievement.   The iconic nature of these works is obtained through the superimposition of realistic photos of landscapes, the individuals themselves, reproductions of their writings and works; they give rise to “virtual landscapes” that create a “dilated reality”, also thanks to digital images drawn from the web and television.  The saturation and superimposition of images, their projection into the exhibition space, thanks to lights mounted inside polyhedron-shaped installations, creates a sensation of immersion in a contemporaneity inhabited by images and figures that surround our existence and constitute the connective tissue of the globalized world.  As a counterpoint to these iconographic works we have sculptural installations which by juxtaposing points, corners, spheres and geometric figures attempt to render the essence of the figures in an abstract manner, as they are perceived and appear in Ito’s artistic and emotional imagination.



[1]             Cf. R. Mastroianni, In the Space and In the Time, Altralinea edizioni, Florence 2013

[2]             Cf. Ibid

[3]             Cf. P. Restany, Group Sou- Progetto Persona- Esposizione Sou, Galleria Kodama, 1987 and S. Takahashi (edited by), Le mostre di Fukushi Ito-Nello spazio e nel tempo, Museo d’arte della prefettura di Aichi, 1999

PERSONA – In the space and in the time by FUKUSHI ITO

Posted by roberto09 | Posted in Arte e suggestioni metropolitane, Critica d'arte e curatele, Eventi | Posted on 24-06-2017

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“Persona”. In the space e in the time è una mostra personale dal carattere retrospettivo di Fukushi Ito, curata da Roberto Mastroianni, promossa dall’Associazione MetaMorfosi e ospitata dal M.A.G.- MetaMorfosi Art Gallery di Amalfi nei prestigiosi spazi degli Antichi Arsenali della Repubblica Amalfitana (9 giugno-12 luglio 2017), attraverso la quale  presenta al pubblico una dimensione antropologica, non esplicitamente tematizzata ma da sempre presente, nel lavoro dell’artista giapponese.

Fukushi Ito è un’artista giapponese che da più di trent’anni vive e lavora tra l’Italia e il Giappone, sviluppando la propria ricerca e la propria poetica all’incrocio tra spazi e tempi diversi (due patrie, diversi linguaggi, diversi contesti simbolici e materiali), accettando la sfida della contemporaneità, cercando di rendere le contraddizioni del presente attraverso i codici e le innovazioni specifiche della sperimentazione artistica in un contesto globalizzato. Da molti anni l’artista si dedica a indagare artisticamente il rapporto tra spazialità, temporalità, luce, ombra, forma, energia, materia e condizione esistenziale dell’uomo, attraverso cicli di opere che portano tutte lo stesso titolo, “In the space, in the time”, attraverso le quali si dedica a una personale esplorazione dell’universo: alla ricerca delle condizioni di possibilità della presenza delle cose nello spazio e nel tempo e dello statuto esistenziale dell’essere umano. Come abbiamo avuto la possibilità di affermare in altre occasioni[1], “spazio” e “tempo” sono, per Ito, dimensioni dell’identità ontologica ed esistenziale e si relazionano alla memoria singolare e collettiva, permettendo di assumere, preservare e rielaborare l’eredità del proprio universo valoriale e culturale. La stessa formazione artistica di Fukushi ne è un esempio. Parte dalla pittura tradizionale giapponese, che fa della washi (la carta di fibre vegetali fatta a mano) e dei pigmenti naturali supporti materici utili ad accogliere un gesto capace di portare a rappresentarzione le cose nella loro essenzialità simbolica con tratti semplici e raffinati, facendo propria la lezione delle scuole tradizionali di pittura giapponese: in primis la “Scuola di Rimpa”, con la sua attenzione alla sinergia tra decorazione e pittura e al valore simbolico del materiale e quella di Katsushika Hokusai, caratterizzata da un modo leggero e potente di rappresentare le figure nello spazio, dando vita ad un immaginario concretamente pittorico del “mondo fluttuante”. Dall’arte tradizionale giapponese Fukushi si distanzia però quasi subito dopo l’arrivo in Italia e inizia un percorso che vede i materiali antichi accostarsi e integrarsi con quelli contemporanei: la washi e i pigmenti si uniscono all’immagine foto e video realistica, al plexiglass e alla pellicola trasparente, alla luce del neon e dei led, al fine di dare vita a complesse installazioni che superano la dimensione visuale emergendo nella spazialità. A ben vedere il rapporto artistico tra cultura occidentale e giapponese ha molti precedenti nel Novecento, basti pensare al nipponismo implicito dell’Art Nouveau e del Liberty o al Fluxus. La specificità della ricerca artistica di Fukushi Ito è però quella di aver realizzato una particolare forma di adattamento/traduzione dello stile e delle tematiche giapponesi in codici e linguaggi estremamente attuali e artisticamente contemporanei. I temi della temporalità e della spazialità, l’attenzione per la luce e i materiali si caratterizzano, inoltre, nella poetica di Ito per una costante riflessione antropologica, sempre implicita ma essenziale, che emerge esplicitamente in tutta la propria potenza in opere come quelle in mostra, in cui l’umano assume la funzione di “figura esemplare” di una condizione ontologica e antropologica[2]. Questo interesse per l’umano nella valenza multipla di “persona”, “personaggio”, “figura esemplare”, capace di incarnare una condizione socio-storica ed esistenziale e diventare modello di umanità per le generazioni future, portando a rappresentazione la potenza iconica dell’incontro tra tradizione e innovazione, è a ben vedere presente sin dagli esordi della carriera dell’artista. Nel 1984, ad esempio, Fukushi diede vita, insieme ad altri artisti giapponesi che operavano in Italia e Giappone, al “Group Sou” che nel 1987 realizzò un’installazione collettiva per la sezione “Group Art Work” di un’esposizione internazionale organizzata in sinergia con Manifesta 8. L’opera collettiva dal titolo “Progetto Persona” si presentava come un’installazione ambientale di prismi triangolari di diversi colori, che riprendevano la forma dell’ideogramma giapponese che indica il concetto di “persona” (人). Fu questa un’opera giovanile dal chiaro riferimento antropologico che utilizzava già i codici espressivi, che poi sarebbero diventati tipici della sua poetica, e che nelle parole di Pierre Restany si presentava come altamente sistematica, simbolica e universale[3]. Negli anni successivi, Ito dedicò la maggioranza delle sue forze creative a indagare il nesso spazialità e temporalità, attraverso opere di carattere installativo e fotografico, non abbandonando però mai definitivamente l’interesse per l’umano e la propria esemplarità, che si materializzava nella realizzazione di opere dedicate a personaggi per lei fondamentali per motivi biografici o socio-storici o artistici. Queste “figure esemplari”, con cui Fukushi ha imbastito un dialogo in questi decenni, sono sempre rappresentativi di una specificità socio-storica, sono sempre grandi creatori e innovatori capaci di assumere e superare la tradizione di cui sono portatori, diventando metafora essenziale di una certa epoca e di una certa condizione sociale, materiale e di discorsi determinati sul mondo e le sue trasformazioni: siano essi personaggi storici (ex. Macchiavelli) o artisti o intellettuali contemporanei (ex. Gillo Dorfles, Lucio Fontana, Bruno Munari…). Tutti quanti sono emblemi di alcune specificità culturali e sono stati importanti per la formazione artistica e biografica dell’artista e, nello stesso tempo, hanno segnato l’orizzonte culturale e sociale di riferimento di questa nostra epoca globalizzata. Vi è in questa operazione artistica, che ha prodotto e produce installazioni di materiali e linguaggi compositi, la consapevolezza che non sia solo il mondo a prendere forma ed emergere dall’apertura dello spazio-tempo, ma che siano soprattutto le personalità individuali ad essere capaci di dare forma a se stesse e al proprio mondo, incarnando elementi di innovazione, rottura e conservazione della memoria e della tradizione culturale, sociale, artistica e intellettuale. I personaggi con cui Ito si è confrontata negli anni sono molti, tra gli altri: il grande samurai dell’epoca Edo, Miyamoto Musashi; Korin Ogata, pittore della scuola Rimpa; il pittore di Ukiyoe, Katsushika Hokusai; il romanziere Jun’ichirō Tanizaki; Yukio Mishima; Paolo Uccello; Piero della Francesca; Leonardo da vinci, Niccolò Macchiavelli, Lucio Fontana; Bruno Munari; Oriana Fallaci; Gillo Dorfles… Tutti personaggi che si presentano come “esemplari” ed “emblematici” e in qualche modo “eccezionali” nella propria storicità, biografia e produzione, ponendosi come punti di riferimento per una tradizione, che da loro prende il via o che in loro trova elevata espressione e compimento.  Il carattere iconico delle opere viene ottenuto sovrapponendo immagini foto realistiche di paesaggi, dei personaggi stessi, riproduzioni dei loro scritti e delle loro opere dando vita ad un “paesaggio virtuale” che produce una “realtà dilatata”, anche grazie ad immagini digitali estratte dal mondo del web e della comunicazione televisiva. La saturazione e la sovrapposizione delle immagini e la loro proiezione nell’ambiente espositivo, grazie all’uso della luce montata all’interno delle installazioni a forma di poliedro, restituisce la sensazione immersiva di una contemporaneità popolata di immagini e figure che circondano la nostra esistenza e formano il tessuto connettivo del mondo globalizzato. A queste opere dal valore iconografico fanno da contraltare le installazioni scultoree che articolando spigoli, sfere e figure geometriche cercano di restituire in modo astratto l’essenza dei personaggi così come essi sono percepiti e rappresentati nell’immaginario artistico ed emotivo di Ito.



[1] Cfr. R. Mastroianni, In the Space and In the Time, Altralinea edizioni, Firenze 2013

[2] Cfr. Ibidem

[3] Cfr. P. Restany, Group Sou- Progetto Persona- Esposizione Sou, Galleria Kodama, 1987 e S. Takahashi (a cura di), Le mostre di Fukushi Ito-Nello spazio e nel tempo, Museo d’arte della prefettura di Aichi, 1999

EVOLUTIONARY PATTERNS Enrica Borghi – Isabella Nazzarri

Posted by roberto09 | Posted in Arte e suggestioni metropolitane, Critica d'arte e curatele, Dicono di me..., Dove sono - Appuntamenti, Eventi | Posted on 15-05-2017

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EVOLUTIONARY PATTERNS Enrica Borghi / Isabella Nazzarri

a cura di Roberto Mastroianni

3 febbraio – 1 aprile 2017

 

La galleria Opere Scelte ha il piacere di invitarvi, giovedì 2 febbraio alle ore 18.30, in via Matteo Pescatore 11/D, all’inaugurazione della mostra, Evolutionary patterns.

 

L’esposizione mette in dialogo le opere delle due artiste che come biologhe sembrano studiare tutto ciò che riguarda la vita e gli organismi viventi, la loro struttura, l’evoluzione, la distribuzione…

Sia Enrica Borghi (Novara, 1966) sia Isabella Nazzarri (Livorno, 1987), con esperienze e approcci alla ricerca artistica molto differenti, prendono ispirazione da forme antropomorfe, una attraverso la materia scultorea, l’altra con la bidimensionalità assoluta dell’acquerello.

Enrica Borghi propone lavori storici e nuovi che presentano i temi principali da lei indagati: l’utilizzo di materiali riciclati non biodegradabili, la creazione di oggetti della quotidianità, ma anche ornamenti preziosi e abiti. Destreggiandosi nella spirale del consumismo mostra le alterazioni dei materiali polimeri che perdono l’asetticità che li contraddistingue acquisendo una forte umanità. Tra le ultime produzioni, per la prima volta l’artista inserisce l’elemento naturale: frammenti di scarti e graniglie, levigati e riconsegnati dal mare, portando ancora una volta l’attenzione sui cicli vitali, l’ecologia e la natura.

Nel contempo le opere di Nazzarri ricordano delle surreali visioni microscopiche di un mondo in continuo movimento, ma anche funzioni decorative. Le figure, originate da stati mentali e suggestioni emotive, si materializzano sulle carte e sulle tele in maniera apparentemente caotica, dettata in realtà da una chiara struttura e un forte dinamismo, come negli organismi viventi. Forme astratte o antropomorfe connesse tra loro, come a formare un’unica ampia visione d’insieme, capace di alterare il nostro punto di vista.

La mostra rimarrà allestita fino a sabato 4 marzo 2017.

COMUNICATO STAMPA (Clicca qui)

TESTO CRITICO ( Clicca qui)

FLASHBACK_Artist curated talks

Posted by roberto09 | Posted in Critica d'arte e curatele, Dicono di me..., Dove sono - Appuntamenti, Eventi, Teoria e critica filosofica | Posted on 15-05-2017

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FLASHBACK_Artist curated talks

Posted on 

FLASHBACK_Artist Curated Talks

VENERDì 4 | SABATO 5 | DOMENICA 6 | novembre 2016 | ORE 17.00
@PALA ALPITOUR | TORINO

L’estetica senza etica è cosmetica” Ulay

Nel 2016, per la quarta edizione di FLASHBACK, si inaugura un nuovo progetto destinato a evolversi e ripetersi nel corso delle prossime edizioni: INCONTRI CURATI DA ARTISTI | ARTISTS CURATED TALKS.
Incontri, discussioni, confronti che coinvolgono forma e contenuto, sfera intellettuale, sensoriale ed estetica.

OGGETTO DI DISCUSSIONE è un progetto di incontri, di discussioni estetiche pensati dall’artista Giada Pucci per FLASHBACK_Talks. Con sedute informali, video e sonoro in diffusione Il progetto si pone come un tentativo di scardinare l’idea di conferenza tradizionale, lo spazio che accoglie l’incontro diviene luogo estetico, esperienziale; luogo quindi mentale, astratto visivamente, luogo intimo e di discussione dove il pensiero diventa elemento sonoro dell’esperienza

VENERDì 4 NOVEMBRE ORE 17

ARTE E RELIGIONE. Dall’arte antica a quella contemporanea.
Come la religione ha influenzato la ricerca artistica nel corso dei secoli sino alla contemporaneità. L’occidente e oriente a confronto.
Roberto Mastroianni (filosofo/critico d’arte), Maurizio Cilli (artista/architetto), Andrea Longhi (Storico dell’Architettura), Carola Benedetto (indologa)

SABATO 5 NOVEMBRE ORE 17

ARTE, ETICA E MORALE Il valore sociale dell’opera.
Dalle origini alla contemporaneità. Come cambia l’arte a seconda del periodo storico/politico? L’artista dovrebbe essere portatore di un’etica?

Roberto Mastroianni (filosofo/critico d’arte), Maurizio Cilli (artista/architetto), Andrea Ciommiento (regista e creatore scenico), Irene Pittatore (artista), Tea Taramino (artista), Giusi Venuti (filosofa).

DOMENICA 6 NOVEMBRE ORE 17

PENSIERO UMANISTICO E PENSIERO SCIENTIFICO. Può esistere una economia culturale capace di essere significativa per un paese?
Gli studi scelti dalle società contemporanee sono sempre più di educazione scientifica piuttosto che classica. La disponibilità di posti di lavoro premia maggiormente gli studenti usciti da studi scientifici piuttosto che quelli umanistici. Quali sono le conseguenze nella formazione d’individui che devono confrontarsi con una società complessa e multiculturale. Cittadini o semplici lavoratori?

Roberto Mastroianni (filosofo/critico d’arte), Maurizio Cilli (artista/architetto), Giovanni Leghissa (filosofo), Carlo Capello (antropologo), Dario Padovani (sociologo).

Nel folto del segno.

Posted by roberto09 | Posted in Arte e suggestioni metropolitane, Critica d'arte e curatele | Posted on 15-05-2017

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InGenio Arte Contemporanea
DAL 5 AL 31 MAGGIO 2017
Inaugurazione venerdì 5 dalle 17.00 alle 19.00

 


DAL 5 AL 31 MAGGIO 2017

Inaugurazione venerdì 5 dalle 17.00 alle 19.00

NEL FOLTO DEL SEGNO
A cura di Roberto Mastroianni

La “scrittura automatica”, come retaggio di un certo surrealismo; il tratto ossessivo e calligrafico, come capacità espressiva di un microcosmo interiore che non accetta mediazione formale; la ricerca di un’espressione simbolica, capace di portare alla luce universi interiori e inconscio collettivo: sono questi gli elementi che uniscono i lavori dei tre artisti di diversa generazione, formazione ed esperienza messi in mostra da InGenio Arte Contemporanea dal 5 al 31 maggio 2017 in collaborazione con il Laboratorio “La Galleria”, la Circoscrizione 8, ETH e l’Archivio “Mai Visti e Altre Storie” (www.maivisti.it).

Un certo “gusto per l’invisibile”, cui le forme alludono, di cui i segni sono traccia, anima i lavori di Cosimo Cavallo, Andrea di Capua ed Emanuele Longo che attraverso una gestualità, mossa da una razionalità interiore e non perfettamente allineata con il senso comune, fa di questi artisti degli esempi alti di “Arte irregolare”. Le dimensioni e le categorie dell’ “Art Brut” teorizzate da Jean Dubuffet, tra le altre la spontaneità creatrice e il bisogno di realizzare immagini, immaginario e artefatti senza seguire mode e regole prestabilite, vengono in qualche modo trascese e trasfigurate in opere dal forte valore estetico, che scelgono il tratto della penna o della matita con finalità figurative o pseudo calligrafiche.

Tutti e tre gli artisti, sembrano avere alle spalle, chi in modo esplicito e chi implicito, una certa lezione surrealista e la ricerca di una messa in forma di archetipi e forze specificamente umane che scelgono la ripetizione segnica come strumento espressivo di paesaggi e ombre interiori in relazioni alle forme del reale e della tradizione di un certo informale e di una certa tribal art. La carta, la mina e l’inchiostro diventano così lo strumento per realizzare segni raffinati ed eleganti ed esplicitamente ossessivi, che danno forma a elementi dinamici dal forte impatto in cui la figurazione declina in gestualità calligrafica e il segno in dimensione quasi musicale della figurazione.

Nelle opere di Cosimo Cavallo il gesto della mano ripercorre la memoria alla ricerca di tracce sensibili immutate nel tempo, che si rapprende in immagine nella ripetizione con cui la penna sulla carta, si ostina a delineare volti, ombre, paesaggi, figure. Cosimo celebra le serialità, come veicolo con cui rivolgersi all’invisibile e articolare una lingua per parlare di quel che non può essere espresso a parole e così facendo costruire ponti tra mondi cui solo il gesto artistico può alludere.

Andrea Di Capua, invece, dà vita a intricate e sottili ramificazioni che si fanno figurali attraverso la raffinatezza pseudo calligrafia, mettendo in forma segni che sembrano astratti, ma che precipitano in motivi concreti dal forte impatto ornamentale, se per ornamentale e decorativo intendiamo i motivi ripetitivi ereditati dalla storia del gusto e dell’arte che assumono un valore astratto e spirituale dopo la lezione di Matisse. La presenza del reale, il segno ossessivo e ripetitivo, la rete di elementi, l’ansia, la parola, il gesto, il pittogramma, il segno modulato che incide il foglio o il colore che accentua o cancella danno in questo modo vita a figurazioni, al contempo, pesanti e leggere.

Emanuele Longo, giovane artista indipendente, indaga infine le simboliche più complesse, attraverso un’analisi che ripercorre e condensa la storia dei segni dalla preistoria a oggi, interrogando l’inconscio collettivo e la memoria della mano condensata nell’arte tribale e nella storia della pittura, alla ricerca di un universo espressivo che sappia mettere insieme microcosmo e macrocosmo in una ricerca dai tratti spirituali e alchemici, dando in questo modo vita a figurazioni in cui il segno rappresenta, attraverso fittissime trame, il suo universo interiore e gli archetipi di valore antropologico.

InGenio Arte Contemporanea
C.so san Maurizio 14/E
Apertura su richiesta rivolgendosi in Via Montebello, 28/B
InGenio bottega d’arti e antichi mestieri
Via Montebello, 28/B
Apertura dal martedì al sabato dalle 10.00 alle 19.00 orario continuato
ingenio@comune.torino.it – tel. 011883157 - www.comune.torino.it/pass/ingenio
Sul sito aggiornamenti mensili con approfondimenti sugli eventi e i laboratori.
Facebook: InGenio – Bottega d’arti e antichi mestieri

Straordinariamente

Posted by roberto09 | Posted in Arte e suggestioni metropolitane, Dicono di me..., Dove sono - Appuntamenti | Posted on 15-05-2017

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straordianriamente

InGenio Arte Contemporanea

InGenio bottega d’arti e antichi mestieri

STRAORDINARIAMENTE DAL 31 MARZO AL 26 APRILE 2017

Inaugurazione venerdì 31 alle 11.00

A cura di Roberto Mastroianni

Mostra collettiva di giovani autori di talento che descrivono il presente, da punti di vista molto personali, attraverso scritture, disegni, pitture e sculture: Valentino Ancora, Edgardo Campi, Andrea Castelluzzo, Cristian Costa, Lorenzo Filardi, Antonino Mancuso, Michele Povero, Michele Sgambelluri, Giuseppe Stefano, Gabriel Twahilo, Luca Vergine.

Una collaborazione fra: Laboratorio La Galleria, Circoscrizione 8; Cooperative Sociali Stranaidea, Interactive, Animazione Valdocco; Associazione Comunità Papa Giovanni XXIII; Primo Liceo Artistico e Liceo Artistico Passoni di Torino; Accademia Albertina di Belle Arti  di Torino.

VORREI DIRTI TANTE COSE…

Posted by roberto09 | Posted in Arte e suggestioni metropolitane, Critica d'arte e curatele, Dicono di me..., Eventi | Posted on 15-05-2017

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InGenio Arte Contemporanea – Dal 11 al 26 NOVEMBRE – Inaugurazione venerdì 11 novembre ore 17.00

VORREI DIRTI TANTE COSE… – A cura di Ornella Rovera – Testo critico di Roberto Mastroianni

Sculture e fotografia come esiti delle riflessioni sull’esperienza, fatta da un gruppo di giovani artisti, nell’ambito della mostra Fantasmi dello spettro dedicata all’autismo che si è tenuta, nel mese di aprile 2016, a Palazzo Barolo e a InGenio Arte Contemporanea.

Opere degli studenti dell’Accademia Albertina di Belle Arti di Torino, che hanno collaborato all’evento come mediatori culturali o hanno tenuto laboratori rivolti al pubblico.

Coordinamento dei lavori a cura dall’artista Ornella Rovera, Docente di Scultura.

Sono previste attività interattive con il pubblico a cura degli studenti.

 

InGenio arte contemporanea
C.so san Maurizio 14/E

Apertura su richiesta rivolgendosi in (open on request in) Via Montebello, 28/B

 

InGenio bottega d’arti e antichi mestieri
Via Montebello, 28/B

Apertura dal martedì al sabato dalle 10.00 alle 19.00 orario continuato
opening from Tuesday to Saturday, 10.00 am to 7.00 pm.

 

FiloArX di Giustino Caposciutti

Posted by roberto09 | Posted in Arte e suggestioni metropolitane, Eventi | Posted on 15-05-2017

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InGenio bottega d’arti e antichi mestieri
InGenio Arte Contemporanea
Venerdì 16 settembre 2016 dalle ore 17.00 alle ore 19.00
avvio della performance di arte partecipata: FiloArX di Giustino Caposciutti

Palazzo Barolo
Sabato 17 settembre 2016 dalle ore 15.30 alle ore 17.00
proseguimento di FiloArX di Giustino Caposciutti.
Contributi critici di Roberto Mastroianni.

FiloArX è un grande intreccio di fili costruito dall’artista attraverso un laboratorio dove ogni persona presente colora e firma un filo che poi viene tessuto insieme a tutti gli altri dando luogo ad opere che sono la “fotografia” di un momento storico di una comunità, di una città, di un gruppo di persone: grandi e piccini. Dal 1993 circa 26.000 persone hanno partecipato a FiloArX, in Italia e all’estero.

 

FiloArX è anche una storia intessuta, nel tempo, con la Città dall’artista attraverso un’opera, allo stesso tempo Singolare e Plurale, fatta di fili visibili e invisibili che, simbolicamente e materialmente, uniscono luoghi e persone per un’arte come motore di cittadinanza attiva.

La postazione attrezzata di FiloArX rimarrà dal 18 SETTEMBRE al 9 OTTOBRE 2016 in una zona dell’atrio come laboratorio fruibile anche in autogestione dai visitatori del Palazzo.

Sarà possibile incontrare l’artista di martedì e giovedì mattina e di mercoledì e venerdì pomeriggio in orario di apertura del Palazzo.

 

evento che si svolge durante la mostra:
TRAMARE. Di filo in segno e di luogo in logo.
A cura di Alessia Panfili e Tea Taramino
con interventi del Torino Mad Pride

Arte Plurale.COSIMO CAVALLO: La memoria e l’ insistenza

Posted by roberto09 | Posted in Arte e suggestioni metropolitane, Critica d'arte e curatele, Dove sono - Appuntamenti | Posted on 15-05-2017

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OPERA BAROLO
Palazzo Barolo, prime due Sale del Legnanino

Dal 18 SETTEMBRE al 9 OTTOBRE  2016
Inaugurazione domenica 18 settembre
dalle ore 16.30 alle 18.30

COSIMO CAVALLO: La memoria e l’insistenza.

Il segno ripercorre la memoria alla ricerca di tracce sensibili immutate nel tempo. Insiste la penna sulla carta, si ostina a delineare volti, ombre, paesaggi.
Le visioni di Cosimo sono finestre aperte su di un mondo ricco e complesso dove la forma è densa di significati e la costanza nella ripetizione amplifica l’urgenza comunicativa.
Il suono di una voce che non smette trascina l’osservatore in un dialogo vivo, immaginifico e reale. L’artista è fra gli autori valorizzati dal progetto Mai Visti e Altre Storie (www.maivisti.it).

 

Pitture e disegni di Cosimo Cavallo nella prima sala, all’interno della mostra:
TRAMARE. Di filo in segno e di luogo in logo. 

A cura di Alessia Panfili e Tea Taramino

con performance FiloArXdi Giustino Caposciutti
ed interventi del Torino MadPride
Contributi critici di Alessia Panfili e Roberto Mastroianni

Sperimentazione e contaminazione sono concetti inevitabilmente collegati. Ciò che è nuovo, l’esperienza, apporta alle proprie certezze un disturbo, un’alterazione della calma, che può essere fertile. Aprirsi a ciò che non capiamo, a ciò che non ci torna, apporta una completezza nuova e sempre in movimento. Una pienezza data dall’andirivieni costante di dati e correzioni. Come un respiro è perdita costante e costante rinnovo.
Cosimo Cvallo e Giustino Caposciutti i due artisti presenti in mostra sono, in questa ottica, esperti portavoce l’uno della ricchezza insita nella perdita e l’altro fautore di esperimenti di condivisione, dove l’opera funziona se collettiva, contaminata e partecipata.

FiloArX DI GIUSTINO CAPOSCIUTTI.
Nella seconda sala due fra le grandi tessiture storiche di FiloArX e il video di TESSEREXESSERE, Arte Plurale dal 2009 al 2013.

Laboratori per il pubblico
La postazione attrezzata di FiloArX rimarrà in una zona dell’atrio come laboratorio fruibile anche in autogestione dai visitatori del Palazzo.

Durante il periodo della mostra saranno attivati laboratori artistici, workshop ed incontri aperti al pubblico in collaborazione con il movimento Torino Mad Pride.

La mostra fa parte della rassegna Singolare e Plurale, una collaborazione fra la Direzione Politiche Sociali e Rapporti con le Aziende Sanitarie della Città di Torino e l’Opera Barolo per la promozione di iniziative culturali e progetti di ricerca che abbiano al centro le arti intese come motore di cambiamento, crescita personale, salute pubblica e welfare sociale. A cura di Tea Taramino.